L'abstraction est une manière de peindre inventée au XXe siècle qui consiste à exécuter un tableau sans avoir besoin de représenter des objets reconnaissables. Jusqu'à l'apparition de la photographie, l'artiste reproduisait le monde de la réalité. Il avait le privilège de raconter et de commenter le monde visible. L'appareil photographique l'a dépossédé de ce pouvoir mais l'a en même temps libéré de cette obligation : de nos jours, l'artiste peut mettre dans son tableau une multitude de choses qui n'ont aucun rapport avec la représentation du réel.

Alice

Le personnage de Lewis Carroll dans "Alice au pays des merveilles" et dans "Au-delà du Miroir" fut très apprécié par les surréalistes. Le monde d'Alice, insolite, imprévisible, se transformant à tout instant, correspondait parfaitement à l'imaginaire surréaliste.

Antithétique

Qui forme une antithèse, c'est-à-dire un contraste fort, une opposition, entre deux pensées, deux expressions, ou même entre deux couleurs.

Aplat

Un aplat de couleur est une surface précise couverte d'une couleur uniforme et sans profondeur.

Architecte

L'architecte est celui qui conçoit les plans des constructions. Par ses idées et ses réalisations, il influence le style de son époque. Les architectes, utilisant essentiellement les formes géométriques, ont eu, pendant le XXe siècle, un impact important sur un certain nombre d'artistes abstraits et vice-versa.

Atelier

L'atelier d'un peintre est le lieu où habituellement il exécute son travail. C'est un espace privilégié à l'intérieur duquel l'artiste se concentre, élabore ses idées, reçoit ses modèles et souvent finit les tableaux commencés en plein air. L'atelier est aussi un sujet de peinture souvent traité au XXe siècle qui donne à l'artiste la possibilité de faire une sorte d'autoportrait.

Automatisme

Technique surréaliste qui consiste à écrire, peindre ou dessiner en laissant la main faire spontanément, sans la participation de la pensée. Il y a un automatisme de la main, du bras, du corps entier. Les figures peintes se déforment, les objets s'éloignent du réel, se disloquent. Lorsque l'automatisme est absolu, la peinture devient abstraite.

Bauhaus (1919-1933)

Ecole de design et d'architecture fondée par l'architecte Walter Gropius à Weimar, puis à Dessau en Allemagne. Elle fut un fabuleux laboratoire de formes modernes. Gropius voulait que les architectes, les artistes, les artisans et les ouvriers travaillent ensemble pour donner les meilleures formes aux objets produits en série. Il a invité à enseigner dans son école de grands artistes tels que Klee, Schlemmer, Feininger, Itten, Moholy-Nagy, etc. Kandinsky fut parmi les premiers maîtres du Bauhaus et il y est resté jusqu'à sa fermeture définitive par les nazis à Berlin. Heureux de se trouver dans ce lieu d'émulation et d'idées nouvelles, il y a créé quelques-uns de ses tableaux les plus populaires.

"Der Blaue Reiter" (Le Cavalier bleu)

Ce groupe d'artistes, dont les deux initiateurs furent Franz Marc et Vassily Kandinsky, a exprimé ses idées (fusion entre les arts et nécessité intérieure) dans la célèbre publication l'almanach "Der Blaue Reiter". Malgré sa courte durée (décembre 1911-mai 1912), ce mouvement a été riche en conséquences dans l'évolution de l'art de la première partie du XXe siècle.

Pierre Bonnard

1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet

Après avoir eu des débuts de carrière très brillants, Bonnard, qui fut nommé "le plus japonais des impressionnistes", a mené une vie recluse à cause de la maladie de sa femme Marthe. Obsessionnelle de la propreté, elle hantait d'une présence effacée la chambre et la salle de bain, lieux dont le peintre donne des versions étonnantes de sensualité et de force expressionniste. Coloriste de premier ordre, il a pu, par l'onctuosité de sa couleur, donner à ses images la vibration et la densité qui ont préparé le chemin de l'abstraction lyrique.

Georges Braque

1892, Argenteuil-sur-Seine - 1963, Le Havre

Après un chemin court et brillant à travers tous les mouvements du début du siècle, Braque rencontre Picasso. De 1907 à 1914, il fonde avec lui le cubisme, élabore toutes ses différentes phases (cézannien, analytique, synthétique) et crée plus particulièrement des papiers collés d'un raffinement et d'une qualité exceptionnels. Revenu de la guerre où il fut blessé et trépané, il entame une nouvelle carrière dans un esprit post-cubiste où règnent les natures mortes et la silhouette rigoureuse du guéridon. Figuratif jusqu'à la fin de ses jours, il va peupler ses oeuvres des dernières années d'oiseaux en vol qui, par leur persistance obsessionnelle, prendront une signification symbolique.

André Breton

1896, Tinchebray - 1966, Paris

Poète français dont l'activité littéraire fut toujours liée à l'amour de l'art. Fondateur du mouvement surréaliste, il en fut aussi le théoricien avec le "Manifeste du Surréalisme", publié en 1924. Maître absolu du groupe, il fut au coeur de toutes les activités des artistes surréalistes de plusieurs générations. Il s'est aussi révélé un important critique d'art grâce à son célèbre ouvrage "Le Surréalisme et la peinture".

Cerne

Gros trait de dessin utilisé surtout par des artistes qui simplifient, stylisent leurs formes.

Paul Cézanne

1839-1906, Aix-en-Provence

Paul Cézanne est l'artiste français qui a exercé la plus grande influence sur les peintres du début du siècle. Suite à quelques études de droit il décide de se consacrer à la peinture. Après de nombreux et longs séjours à Paris, peignant des paysages de la région parisienne et participant aux expositions des impressionnistes dont il partage les idées, il retourne en Provence où il s'installe définitivement et s'enferme pour se consacrer au paysage et à la nature morte. A travers ses variations sur des thèmes tels que "La Montagne Sainte-Victoire" et "Le Château noir", il s'attache au rythme et à la composition, essayant de rendre la vision de la nature dans sa structure fondamentale en en saisissant l'essentiel. On lui doit quelques formules célèbres comme : "Quand la couleur est à sa richesse, la forme est à sa plénitude" ou encore : "(...) traitez la nature par le cylindre, la sphère, le cône, le tout mis en perspective (...)". Cette dernière a fait fortune puisqu'elle a déclenché la révolution cubiste.

Chromatique

Concerne la couleur.

Coloriste

C'est un artiste qui a une sensibilité particulière pour la perception et le rendu de la couleur, par opposition à un artiste qui donne le plus d'importance au dessin.

Couleurs complémentaires

Couleurs susceptibles de créer des contrastes. Dans la gamme chromatique, il y a trois contrastes magistraux. Le rouge à côté d'un vert, sa complémentaire, le jaune à côté d'un violet et le bleu à côté d'un orange. La vue de couleurs complémentaires crée une sensation d'harmonie et de plaisir, effet connu par les peintres depuis toujours et appliqué systématiquement par certains artistes, comme les Delaunay, au XXe siècle.

Cubes

"Monsieur Braque méprise la forme, réduit tout, sites et figures et maisons à des schémas géométriques, à des cubes" s'exclame le critique d'art Louis Vauxcelles à la vue des tableaux de Braque.
Cette boutade a fait fortune. Immédiatement, tous les artistes qui utilisaient le même procédé sont appelés "cubistes".

Cubistes, Cubisme

Les cubistes sont les artistes qui, suivant le conseil de Cézanne, se sont appliqués à interpréter la nature avec des formes géométriques. Le cubisme a connu trois périodes. La première est le cubisme cézannien. Picasso et Braque ont ensuite fait des expériences très poussées en inventant le cubisme analytique (la forme est décomposée en plans géométriques jusqu'à la dislocation complète du réel) et le cubisme synthétique (une reconstitution d'une image-souvenir à partir d'éléments réels et de plans géométriques superposés). Au cours de cette aventure cubiste, plusieurs pistes ont été ouvertes, comme celle du collage et de l'abstraction.

Salvador Dali

1904-1989, Figueras (Espagne)

Extravagant et génial, Salvador Dali entame encore très jeune une oeuvre picturale d'une extrême originalité. Avec le film "Le Chien andalou", qu'il écrit pour le cinéaste Buñuel, il fait son entrée à Paris dans le groupe surréaliste. En 1929 il rencontre Gala, la femme du poète Eluard, qui deviendra sa propre femme et sa muse. Il commence alors une carrière vertigineuse. A partir de sa méthode de "paranoïa critique", il "fabrique" des tableaux d'aspect très académique qui choquent par leur contenu insolite. Appelé par Breton "Avida Dollars" (anagramme de son nom), Dali ponctue son oeuvre de quelques  "présences obsessionnelles", comme Guillaume Tell, la gare de Perpignan, "L'Angélus" de Millet. La publication de son autobiographie "Le Journal d'un génie" augmenta sa renommée. Il est le seul surréaliste qui a rencontré Freud et qui a réussi à attirer son intérêt. Jusqu'à sa mort, Dali sut nourrir son mythe avec toutes sortes d'actes de provocation.

Décalcomanie

Technique surréaliste inventée par Max Ernst. Elle consiste à frotter de la couleur entre deux toiles pour obtenir une "image-produit-du-hasard". Cette image sera le point de départ d'une oeuvre imprévisible et hallucinante dont l'artiste sera le premier étonné.

Déchet

Le petit objet inutile, jeté et découvert par hasard au cours d'une promenade est parfois intégré dans une oeuvre d'art. Il garde son identité, mais subit aussi, dans cet emploi, des métamorphoses.

Dégradé

Un dégradé est l'évolution progressive d'une couleur de sa tonalité la plus foncée vers la plus claire, ou inversement.

Willem De Kooning

1904, Rotterdam

Artiste abstrait d'origine néerlandaise qui a appartenu à l'école américaine et a commencé son oeuvre après la Seconde Guerre mondiale.

Dissonant, dissonance

Terme emprunté à la musique. En peinture, créer une dissonance, c'est mettre côte à côte deux couleurs sans contraste comme par exemple un rouge à côté d'un orangé ou d'un violet. Une telle utilisation de la couleur peut créer une sensation d'oppression.

Dominante

C'est une couleur ambiante qui "domine" dans une image, crée un climat particulier et donne le ton à l'ensemble.

Jean Dubuffet

1901, Le Havre - 1985, Paris

Marchand de vin, c'est à 40 ans que Jean Dubuffet a commencé à peindre en autodidacte, inspiré par les peintures de fous (Art Brut) et les dessins d'enfants. Surréaliste de troisième génération, il aimait l'art primitif comme un élément libérateur contre le parisianisme et la culture "asphyxiante". Après un début figuratif d'un style volontairement naïf et provocateur, il fait parler la matière et passe progressivement à l'abstraction. Il a usé du collage, de l'automatisme et de la gestualité. A partir de formes élaborées dans l'activité du dessin et du collage, il a réalisé des sculptures et des environnements avec du polyester expansé. A la fin de sa vie, ses oeuvres très gestuelles et parfois de grande dimension, atteignent une liberté ainsi que des vertus décoratives étonnantes.

Enfant, enfance

Un certain nombre d'artistes, comme les surréalistes ou Jean Dubuffet, se sont beaucoup intéressés aux dessins d'enfants, qui sont spontanés et pleins de vérité, ainsi qu'aux productions artistiques des malades mentaux et des sociétés dites primitives, dans la recherche d'un art hors des normes occidentales.

Max Ernst

1891, Brühl (Allemagne) - 1976, Paris

Après des débuts prometteurs à Cologne, Max Ernst ira à Paris où il sera l'un des membres fondateurs du surréalisme. Sa vie mouvementée exerça une grande influence sur son oeuvre. Doté d'une imagination plastique extraordinaire, il fut, dans la période parisienne de l'entre-deux guerres, l'inventeur de nombreuses pratiques surréalistes (collage, frottage, grattage, décalcomanie) qui ont donné lieu à des tableaux d'une originalité et d'une extravagance étonnantes. Les années américaines (1941-1949), vécues avec Dorothea Tanning en Arizona, furent riches en créations sculpturales. Revenu en France, actif jusqu'à sa mort, il jouira d'une reconnaissance générale.

Estaque

Cette petite commune située dans le midi de la France fut, grâce à Paul Cézanne qui y séjourna, un lieu de pèlerinage de nombreux peintres. La mer, la végétation provençale, la lumière vive et tranchante furent des éléments recherchés.

Expressionnisme

Mouvement de l'art né en Allemagne au début du XXe siècle (1905-1913) qui consiste à sacrifier les lignes tranquilles d'une beauté classique et réaliste pour mettre en avant l'expressivité de la forme. Plusieurs générations d'artistes y ont adhéré, dont Ludwig Kirchner, Max Pechstein, Emil Nolde, Kokoschka, Otto Dix, Georges Grosz, Franz Beckmann...

Fauves, Fauvisme

Groupe d'artistes (Matisse, Derain, Vlaminck, Camoin, Manguin, Marquet...) qui furent exposés ensemble pour la première fois au Salon d’Automne de 1905. Un critique qualifia de "cage aux fauves" la salle qui réunissait leurs oeuvres aux couleurs vives et violentes. Malgré sa courte durée (1905-1907), ce mouvement a exercé une grande influence sur la peinture expressionniste allemande grâce à l'exaltation provocante de ses couleurs.

Figuratif, peinture figurative

Peinture qui représente le monde réel ou des figures reconnaissables.

Filigrane

Manière dentelée de travailler le métal en bijouterie.

Lucio Fontana

1899, Rosario di Santa Fe (Argentine) - 1968, Comabbio (Italie)

D'abord figuratif dans l'esprit du Novecento, Fontana, peintre et sculpteur, crée à partir de 1930 des sculptures bifaces abstraites. Il pratiquera aussi une céramique très expressionniste pendant toute sa carrière. Son oeuvre ne cessera d'être partagée entre une abstraction de plus en plus poussée et une figuration qui lui permet de satisfaire son goût du baroque. A partir de 1949, il invente "le spatialisme" et essaie de mettre en oeuvre ses idées sur l'espace et l'énergie. Ses toiles sont des monochromes fendus pour faire circuler la lumière entre le devant et le derrière de la toile. Après 1952, il utilise le néon pour créer des décorations lumineuses. Par la suite, il mettra en scène des motifs naturalistes découpés et laqués. Il a eu une grande influence sur l'esthétique des années 50 et 60.

Formes géométriques

Les formes géométriques n'existent pas dans la nature : elles ont toujours été considérées comme de pures créations de l'esprit humain et donc comme les plus belles. C'est pourquoi le philosophe grec Platon avait écrit au-dessus de son Académie "Que personne n'entre qui ne soit géomètre". Appliquer ces formes à l'interprétation de la nature, c'est une manière de mettre de l'ordre dans son anarchie. Plusieurs peintres, commençant par la stylisation géométrique, ont abouti à une vision totalement abstraite (des tableaux exclusivement construits avec des rectangles et des cercles) jusqu'à des toiles complètement vidées de toute forme (monochromes).

Geste, gestuel, gestualité

Mouvement spontané de la main, du bras ou même du corps entier pour poser la peinture sur le tableau. Une peinture gestuelle reflète le geste de l’artiste dans son élan, son ampleur et son parcours.

Hallucination

Etat maladif provoquant des visions dérangeantes qui n'existent pas dans la réalité.
Dali fut l'inventeur de la "paranoïa critique", sorte d'hallucination provoquée. C'était un état de transe, de folie, pour arriver à une situation inconsciente pendant laquelle une image insolite "venait se poser devant lui", de sorte qu’il n'avait plus qu'à la recopier sur son tableau.

Jean Hélion

1904, Couterne - 1987, Paris

Hélion découvre dans sa jeunesse le cubisme qui, dans les années 30, le dirigera vers une abstraction de plus en plus radicale. Pourtant il commence, avant même 1940, à évoluer à rebours. Des compositions figuratives à la manière de Léger vont gagner l'espace du tableau. Cette figuration deviendra beaucoup plus réaliste et narrative pendant la maturité de l'artiste.

Impressionnistes, Impressionnisme

Groupe d'artistes français de la fin du XIXe siècle qui doit son nom au tableau de Claude Monet intitulé "Impression, soleil Levant" exposé dans le studio du photographe Nadar en avril 1874. Ces artistes (Monet, Renoir, Manet, Caillebotte, Degas, Forain, Sisley, Pisarro, Morisot...), passionnés par la représentation du paysage, ont mis l'accent sur la lumière et la couleur. Sortant de leurs ateliers, ils ont travaillé sur le motif en interprétant les phénomènes visuels et les vibrations lumineuses avec de petites touches colorées et contrastées.

Imprévisible

L'imprévisible, qui provoque le choc de la surprise, est un stratagème initialement surréaliste qui a connu un succès démesuré dans toutes les formes d’art contemporain.

Inconfort moral

Malaise, parfois dû à la difficulté d'accepter une idée ou une image pénible qui nous rappelle des choses désagréables.

Inconscient

Ensemble des phénomènes de la vie mentale qui échappent à la conscience et qui furent initialement étudiés par Sigmund Freud, l'inventeur de la psychanalyse.

Judoka

Pratiquant de l'art martial japonais appelé judo. L'artiste Yves Klein était ceinture noire de Judo et surtout, était attiré par la spiritualité japonaise.

Vassily Kandinsky

1866, Moscou - 1944, Neuilly-sur-Seine

A 30 ans, Kandinsky, qui est juriste, se consacre à la peinture. Il s'installe à Munich, où il devient chef de file d'une pléiade d'artistes sous l'enseigne "Der Blaue Reiter" (Le Cavalier bleu). La plupart d'entre eux travaillent sur le principe de la "nécessité intérieure" et se dirigent vers de nouvelles formes d'art. Aux débuts des années dix, Kandinsky réalise la fameuse "première aquarelle abstraite". De 1922 à 1933, il enseigne au Bauhaus. Après sa fermeture par les nazis, il se rend à Paris où il restera jusqu'à sa mort.
Son oeuvre connaît ainsi trois périodes. La période expressionniste, qui comporte les premières années de maturité, la seconde qui est celle du Bauhaus, influencée par la géométrie, et la troisième, la parisienne, constituée d'oeuvres plus sages inspirées par les visions du microscope.
Kandinsky a écrit de la poésie et des ouvrages théoriques dont le plus célèbre, conçu sous l'influence du compositeur Schönberg, s'intitule "Du spirituel dans l'art" (1912). Il contient les principes de l'artiste sur la couleur et la composition d'un tableau abstrait, qui, grâce à ses lignes rythmées et ses sonorités chromatiques, fonctionne comme une symphonie musicale.

Yves Klein

1928, Nice - 1962, Paris

Fils de deux peintres, Yves Klein sera judoka et adepte de l'ordre spirituel des Rose-Croix avant de se mettre à peindre lui-même. Après un long séjour au Japon, il enseignera le judo à Paris, ce qui le maintiendra pour longtemps en bonne forme physique. Il commence dès ses débuts à réaliser des monochromes et choisira rapidement le bleu (IKB), qui était pour lui réceptacle et émetteur de l'énergie cosmique.
Doté d'un sens plastique exceptionnel, il a su trouver une quantité d'applications originales à ses idées picturales et conceptuelles. Il a vendu de l'espace sensibilisé par sa présence contre de l'or. Il a réalisé des anthropométries (empreintes sur toile de corps enduit de pigment bleu), des toiles immatérielles (brûlées), imaginé des espaces et des environnement énergétiques et immatériaux. Il aurait fait beaucoup d'autres choses s'il n'avait pas été emporté, très jeune, par une maladie du coeur.

Lyrique, lyrisme

En peinture, on utilise souvent ce terme pour tout ce qui peut avoir un rapport avec la musique et le chant. On peut dire que les couleurs chantent.

Matière, "matiériste"

La matière est importante pour la peinture. Il y a des artistes qui utilisent de fines couches, créant ainsi des effets de transparence. Il y en a d'autres, comme Dubuffet, qui aiment les couches épaisses et couvrantes que l'on obtient en mélangeant la peinture avec de la colle et d'autres matériaux. Ceci donne du relief qui "accroche" la lumière, produit des jeux de couleur remarquables et crée une sensation tactile. On appelle "matiéristes" les artistes qui utilisent systématiquement différents types de matières.

Henri Matisse

1869, Le Cateau-Cambrésis - 1954, Nice

Après des études de droit, Henri Matisse se rend à Paris où il commence une oeuvre post-impressionniste dont les couleurs s'éclaircissent surtout après la découverte du Midi. Il participe au scandale de la "cage aux fauves" et adopte une fois pour toutes les couleurs vives et en aplat, contrastées et cernées par un gros trait noir, qui donnent une grande volupté et une sérénité à ses toiles.
Il proclamait qu'il recherchait un "art d'équilibre, de pureté, de tranquillité... quelque chose d'analogue à un bon fauteuil." Soutenu à ses débuts par des collectionneurs russes, il atteint la notoriété d'un grand peintre. Son oeuvre sculpturale est aussi importante. Entre les deux guerres ses "odalisques", peintes dans un style trop compliqué, ont été très discutées, mais, à partir des années 40, grâce à l'invention de la technique des papiers découpés, son oeuvre acquiert une nouvelle jeunesse qui lui apportera une célébrité égale à celle de Picasso.

Midi de la France

Le midi de la France est devenu, à partir du début du XXe siècle, un lieu de plus en plus fréquenté par les artistes. Là où la lumière est forte et les ombres profondes. Ceci a entraîné une plus grande stylisation des formes, ainsi que l'utilisation de couleurs pures et violemment contrastées dans le cas des fauvistes. Cet engouement pour le sud a également contribué à cultiver certains thèmes du paysage (arbres, bateaux, rivages, etc.). Certains lieux, comme Collioure ou l'Estaque, ont été particulièrement fréquentés.

Joan Miró

1893, Barcelone (Espagne) - 1983, Palma (Espagne)


La peinture de Miró a connu une longue période de maturation. Il a commencé par une oeuvre figurative et narrative. A partir de 1919, il passe ses hivers à Paris où il rencontre Picasso et surtout des poètes. Sensibilisé au surréalisme dont il deviendra membre, Miró adopte des formes qui connaîtront des métamorphoses : il s'orientera vers un univers onirique. Les résultats de la pratique de l'automatisme ont influencé sa conception du tableau, même si, ennemi de la spontanéité, il prenait soin de dessiner préalablement ses oeuvres. Les toiles réalisées à la fin de sa vie connaissent une liberté totale. Miró est également l'auteur d'une importante oeuvre sculpturale.

Monochrome

C'est une toile couverte d'une seule couleur. Le monochrome est apparu pour la première fois avec "Le Carré blanc sur fond blanc" (juin 1918) de Kasimir Malévitch. Dans les années 50, Yves Klein a systématisé le monochrome et en a réalisé de différentes couleurs (orange, vert, jaune, etc.). Il a surtout associé son nom à la couleur bleue qui symbolisait pour lui l'énergie cosmique et a même été jusqu'à inventer son propre bleu : IKB ("International Klein Blue"), qui a fait l’objet d’un brevet.

Mosaïque

Au sens propre, une mosaïque est une image réalisée au moyen de petits morceaux de verre, de marbre ou de pierre colorés et brillants. Au sens figuré, c'est une juxtaposition de petits éléments qui forment un tout multicolore.

Nécessité intérieure

Idée essentielle du groupe expressionniste "Der Blaue Reiter" (Le Cavalier bleu) dirigé par Kandinsky, d'après laquelle l'artiste, au lieu de se soumettre à des règles académiques jugées stériles, telles que le réalisme des couleurs et des formes ou le souci de la perspective, doit suivre ses propres sensations profondes.

Papier découpé

Technique que Henri Matisse a inventée et développée vers la fin de sa vie pour des compositions très libres, alors qu'il avait déjà simplifié son dessin et qu'il utilisait des couleurs souvent primaires, contrastées et plates. Il commençait par colorier de grandes feuilles de papier qu'il découpait en leur donnant des formes extrêmement stylisées. Ensuite il collait savamment ces formes sur des fonds colorés, dans un esprit décoratif.

Pastel

Le pastel est une matière poudreuse qui se présente sous forme de bâtonnets et qui existe dans une infinité de nuances. Les artistes ont surtout utilisé le pastel pour créer des portraits très lumineux avec des tonalités tendres : c'est la raison pour laquelle lorsque l'on parle de couleurs pastels dans le langage courant, cela signifie des couleurs douces et claires.

Perspective

C'est l'art de représenter les objets en trois dimensions sur une surface plane, en donnant l'illusion de la profondeur. La perspective en peinture (système d’ombres et lignes de fuite), "inventée" pendant la Renaissance, fut le principe essentiel de la représentation de l'art réaliste.

Pablo Picasso

1881, Malaga (Espagne) - 1973, Mougins

Peintre et sculpteur espagnol qui, à partir de 1904, s'est installé en France pour le restant de sa vie, Picasso est l'un des plus grands artistes de tous les temps et, dans l'esprit de tout le monde, son nom signifie l'art moderne.
Après ses périodes bleues et roses du début du siècle, il lance le cubisme avec son célèbre tableau "Les Demoiselles d'Avignon" (1907). Aux côtés de Braque, il pratique l'analyse de la forme jusqu'à la disparition de l'objet et invente les papiers collés, découvertes qui furent riches en conséquences pour toute la création du XXe siècle. Sa collaboration avec les Ballets Russes à partir de 1916 contribue à son propre "retour à l'ordre", qui se traduit par un art plus classique se référant au peintre Ingres. Au cours de sa longue vie, Picasso a réalisé une oeuvre colossale centrée autour de la figure humaine traitée de manières très diverses. Outre ses innombrables peintures, sculptures et dessins, il a réalisé une impressionnante oeuvre gravée, des céramiques, des décors et des costumes de théâtre, des illustrations de toute sorte ainsi qu'une oeuvre littéraire.

Pigment

Matière colorée, substance minérale, organique ou métallique, qui colore la surface sur laquelle on l'applique.

Pochade

Peinture rapide tracée en quelques coups de pinceaux.

Pointillistes, Pointillisme

Groupe d'artistes post-impressionnistes qui a systématisé la fragmentation de la touche, jusqu'à construire des tableaux à partir de petits points. Seurat et Signac en sont les chefs de file. Matisse a également réalisé quelques tableaux de ce style.

Primitif

Les civilisations primitives ont été étudiées et privilégiées par un grand nombre d'artistes du XXe siècle, en particulier les surréalistes. Selon eux, leurs créations échappaient à tout académisme, canons et idées préconçues. Elles étaient considérées comme des manifestations spontanées et authentiques. C'est pourquoi ils ont collectionné des oeuvres d'art primitives et ont subi leur influence.

Rêve

Le monde du rêve est familier aux surréalistes qui pratiquaient même le "rêve éveillé" et des séances d'hypnose. C'est dans le rêve que l'inconscient se dévoile, que les choses les plus secrètes sortent à la surface et peuvent devenir une source d'inspiration artistique.

Saturé, saturation

Une couleur est saturée lorsque le pigment est suffisamment épais et couvre totalement la toile.

Stylisation

Manière de simplifier le dessin en supprimant les détails au profit d'une vision schématique et intense.
On parle de stylisation géométrique lorsque les formes du réel sont systématiquement réduites à des figures géométriques (la tête peut devenir un cercle, les jambes des cylindres, etc.).

Surprise

La surprise due à l'imprévisible provoque un choc qui peut être suivi d'un sentiment de plaisir. Le rapport choc-surprise fut une recette-clé de la stratégie surréaliste.

Surréalistes, Surréalisme

Mouvement littéraire et plastique qui a conquis le monde de l'art à partir des années vingt. Son chef de file fut André Breton, que l'on appela "le pape du surréalisme", et auprès duquel ont défilé plusieurs générations d'artistes. Les plus célèbres sont Dali, Magritte, Tanguy, Masson, Ernst, Miró, Arp, Man Ray, Delvaux, Lam, Matta et Brauner.
Ces artistes, qu'on appela "révolutionnaires sans révolution" ont créé des oeuvres insolites qui, au lieu de procurer un simple plaisir esthétique ont provoqué choc et inconfort moral, dévoilant ainsi les mécanismes de l'inconscient. Comme source d’inspiration et méthode de création, ils ont très souvent fait appel aux rêves, au hasard.

Yves Tanguy

1900, Paris - 1955, Woodbury (Etats-Unis)

A 18 ans, Tanguy s'embarque sur un cargo comme pilotin. Il décide de devenir peintre lorsqu'il aperçoit d'un autobus à Paris deux toiles de De Chirico. Il fera partie du groupe surréaliste. Très vite, son oeuvre va prendre une allure personnelle et répétitive qui connaîtra peu de variations. Il s'agit généralement de vastes étendues vides, attirant le regard vers le lointain, à l'intérieur desquelles se dressent des structures enchevêtrées et énigmatiques qu'on a appelé "les scories de Tanguy". En Amérique, ces scories vont se développer en grands buildings jusqu'à couvrir complètement l'horizon libre du tableau : on a parlé de la "mélancolie de Tanguy". Après avoir vécu une grande misère à Paris, il a connu une certaine reconnaissance en Amérique, mais sa mort précoce ne lui a pas permis d'en jouir.

Texture, "texturologie"

La texture est la composition de la matière de la peinture. On parle de "cuisine de la peinture". Dubuffet jouait avec une grande diversité de textures, et c'est lui-même qui a inventé le terme "texturologie".

Théâtre, théâtralité

Un tableau est susceptible d'évoquer une certaine théâtralité. C'est le cas de l'oeuvre de Fontana, "Concetto spaziale", qui met en scène l'espace d'une manière particulière. Celui-ci présente trois degrés de profondeur : la bordure noire, le tableau en soi, et l'espace illimité à travers les trous. La bordure fait penser au rideau de théâtre et la surface trouée est le lieu du spectacle.

Trompe-l’oeil

Manière de peindre visant à créer l’illusion d'objets réels et en relief.

Voyageur, voyage

Le voyage, la promenade, la pérégrination sont des activités importantes pour les surréalistes et, plus tard, pour les adeptes de l'Art Brut (art des aliénés collectionné par Jean Dubuffet). Traverser un monde inconnu à la rencontre du hasard stimule l'imagination et nourrit l'oeuvre.

1909

C'est l'année d’une découverte importante pour Kandinsky. Il raconte dans ses écrits qu'un jour, en rentrant dans son atelier, il y vit un beau tableau inconnu. En le regardant de près, il s'est rendu compte qu'il s'agissait d'une de ses propres oeuvres, posée à l'envers. Au premier coup d’oeil il n'en avait donc perçu que le jeu, très réussi, des couleurs et des formes. Après cette découverte, il s'est mis à peindre une aquarelle sans sujet, en s'attachant uniquement à ces rapports formels et colorés. Ce fut la première oeuvre délibérément abstraite.

"20.000 lieues sous la mer"

Il s'agit d'un roman de Jules Verne qui, par son imagerie fantastique, ses péripéties imprévisibles et surprenantes, fut une lecture appréciée par les surréalistes.